El arte es la perfección de la naturaleza. La naturaleza hizo un mundo y el arte otro. Sir Thomas Browne
sábado, 12 de diciembre de 2009
lunes, 7 de diciembre de 2009
jueves, 3 de diciembre de 2009
miércoles, 25 de noviembre de 2009
miércoles, 18 de noviembre de 2009
lunes, 19 de octubre de 2009
jueves, 15 de octubre de 2009
miércoles, 14 de octubre de 2009
viernes, 9 de octubre de 2009
Contigo Arturo "ZAMBO" Cavero
QUE SIGO VIVIENDO CONTIGO PERÚ
EMOCIONADO DOY GRACIAS AL CIELO
POR DARME LA VIDA CONTIGO PERÚ
ERES MUY GRANDE, LO SEGUIRÁS SIENDO PUES TODOS ESTAMOS ¡¡CONTIGO PERÚ!!SOBRE MI PECHO LLEVO TUS COLORESY ESTÁN MIS AMORES CONTIGO PERÚ
SOMOS TUS HIJOS Y NOS UNIREMOS Y ASI TRIUNFAREMOS CONTIGO PERÚ
UNIDA LA COSTA
UNIDA LA SIERRA
UNIDA LA SELVA CONTIGO PERÚ
UNIDO EL TRABAJO
UNIDO EL DEPORTE
UNIDOS EL NORTE EL CENTRO Y EL SUR
A TRIUNFAR PERUANO
QUE SOMOS HERMANOS
QUE SEA LA VICTORIA NUESTRA GRATITUD
TE DARÉ LA VIDA Y CUANDO YO MUERA ME UNIRÉ EN LA TIERRA CONTIGO PERÚ
TE DARÉ LA VIDA Y CUANDO YO MUERA ME UNIRÉ EN LA TIERRA CONTIGO PERÚ UNIDA LA COSTA UNIDA LA SIERRA UNIDA LA SELVA CONTIGO PERÚ
UNIDO EL TRABAJO UNIDO EL DEPORTE UNIDOS EL NORTE EL CENTRO Y EL SUR
A TRIUNFAR PERUANOS QUE SOMOS HERMANOS
QUE SEA LA VICTORIA NUESTRA GRATITUD
TE DARÉ LA VIDA Y CUANDO YO MUERA ME UNIRÉ EN LA TIERRA CONTIGO PERÚ
TE DARÉ LA VIDA Y CUANDO YO MUERA ME UNIRÉ EN LA TIERRA CONTIGO PERÚ
jueves, 8 de octubre de 2009
domingo, 27 de septiembre de 2009
Devocion y Sentimiento
ALIANZA LIMA Y EL SEÑOR DE LOS MILAGROS
Cuenta la historia que, a mediados del siglo XVII, un negro angola pintó sobre una humilde pared de adobe la imagen de Cristo crucificado. En Lima vivían entonces algunas centenas de negros esclavos traídos del África Occidental. Uno de ellos, embargado por un profundo sentimiento de fe y devoción, inició una tradición que se fortaleció con el paso de los años: la adoración al Cristo de Pachacamilla. Era en ese lugar, Pachacamilla -hoy asiento del Monasterio de las Nazarenas-, donde vivían los negros angolas agrupados en cofradías. El terremoto que azotó Lima en noviembre de 1655 obligó a abandonar sus viviendas, destruidas por el terrible sismo. Milagrosamente sólo quedó en pie, intacta, la imagen del Cristo en la cruz EI hecho no pasó desapercibido, pero fue prontamente olvidado. Las extenuantes jornadas de trabajo a las que eran sometidos los negros angolas se reiniciaron apenas fueron reubicados en otro lugar, quedando abandonada la solitaria imagen en medio de la destrucción del lugar.
Algunos años después, en 1670, Antonio León, hombre sencillo y enfermo, descubrió la imagen. Improvisó una ermita alrededor de ella y Ie imploró que acabara con sus tormentos. EI Cristo de Pachacamilla obró un nuevo milagro: León recuperó la salud -antes había sido desahuciado por los médicos debido a un tumor cerebral-. En poco tiempo el culto creció, sobre todo entre los vecinos humildes de la zona, que llevaban modestas flores, tocaban la sagrada imagen para recibir su bendición y elevaban oraciones al Señor. Tres siglos después, los jugadores de Alianza repiten el rito antes de cada partido, antes de cada entrenamiento. ALIANZA, BLANCO Y MORADO La devoción por el Señor de los milagros -ahora extendida a nivel internacional – ha sido uno de los signos distintivos de la comunidad negra en el Perú. Una numerosa hermandad morena cuida su imagen y mantiene viva la tradición que hace de octubre el mes morado, color tradicional del culto desde que una de sus principales devotas, Sor Antonia del Espíritu Santo, vistiera túnica morada en 1677. EI Cristo de Pachacamilla está presente en las manifestaciones culturales afro peruanas, en su música, en sus fiestas, y por supuesto, en Alianza Lima. La historia oral nos dice que fue el Chino Pepe Carrión, utilero del equipo, quien llevó la imagen del Cristo moreno al club. Él habría sido quien inició a los jugadores íntimos en la práctica de rezarle al Señor de los Milagros antes de los partidos, ingresar con las imágenes a los vestuarios, tocarlas y besarlas con devoción, prenderles velas, acompañar la procesión, vestir los colores morado y blanco durante los meses de octubre. El Chino Pepe cuenta la historia: "En los años cincuenta Alianza Lima tenía contrato con una firma que Ie fabricaba los uniformes, pero el club siempre Ie debía dinero. Se acercaba un partido ante el Deportivo Municipal y no había plata para las camisetas, entonces yo, como paraba en el Monasterio de las Nazarenas -porque desde niño he sido acólito, luego misturero y después patrón de andas del Señor de los Milagros-, tenía unas telas moradas de los hábitos. Llevé esas telas para que hicieran las camisetas; total, eI morado se parece al azul, entonces agarre y Ie puse chompa morada, pantalones blancos y medias moradas al equipo". Para sorpresa general, Alianza Lima se presentó con camisetas moradas al partido, jugado el 25 de setiembre de 1955. EI dirigente Alfonso de Souza Ferreira entendió que cambiar los calores blanquiazules era profanar la historia aliancista y desde la tribuna Ie gritó al Chino Pepe que se considerara despedido. Pero ya no había vuelta que darle, los íntimos jugaron de morado y le ganaron 1-0 al difícil rival. "Entonces Don Alfonso se calmó, comprendió los apuros que había tenido para vestir al equipo y me dijo que para la próxima vez le sacara la raya azul a las camisetas habituales y le pusiera la morada. EI trabajo me lo hizo un japonés en la Parada", recordó el Chino Pepe. EI siguiente domingo, 2 de octubre, Alianza Lima se presentó con camisetas blanquimoradas ante Ciclista Lima y empató 3-3 en otro reñido partido. La idea gustó, el equipo campeonó en esa temporada, y desde entonces los blanquiazules son blanquimorados durante los meses de octubre.
CRISTO EN LA VICTORIA
Sin embargo, antes que llegara el Chino Pepe a Alianza Lima, ya la devoción por el Señor de los Milagros existía al interior del club. EI distrito de La Victoria había sido fundado en 1920 y se convirtió en reducto de las familias negras de la capital; allí se cimentó la personalidad de Alianza Lima: como su barrio, el equipo de fútbol era jaranero, popular, pícaro, alegre, bohemio, moreno, devoto del Cristo Morado. Ya en los años treinta, tiempos del famoso Equipo de Oro, había una relación entre el club y el Cristo moreno, principalmente a través de Adelfo Magallanes, su gran devoto. En octubre de 1954, la procesión del Señor de los Milagros -que recorría las calles de Lima desde 1687- ingreso por primera vez al barrio de La Victoria. Miguel Huertas Maury -victoriano, aliancista y devoto del Cristo Morado hasta la medula- recuerda los inicios de ese hoy arraigado compromiso entre la venerada imagen y el club de sus amores. Y es que su padre, Don Juan Huertas -ilustre victoriano, socio del club, dirigente aliancista, gran jaranero y compadre de muchos jugadores-, era el encargado de organizar año tras año en La Victoria lo que con el tiempo se institucionalizó como la 'Jarana del Señor'. Justamente en 1954 el Señor de los Milagros durmió por primera vez en el barrio, en la iglesia de La Victoria. La procesión, viniendo de la avenida Graú, bajaba por allí hasta llegar a la Plaza de Armas de La Victoria. Ese 18 de octubre, por primera vez, la efigie morada pasaría la noche en La Victoria”.
DEVOCION Y FIESTA
"La procesión llegaba muy tarde por el barrio", cuenta Don Miguel Huertas Maury. "Pasada la medianoche, cuando las andas ya habían sido depositadas en la iglesia, los invitados, que eran como doscientos, iban a mi casa y empezaba la jarana. Se cantaba, se bebía y se comía toda la noche. Pisco, vino y cerveza para un menú que siempre preparó mi madre Rosa: tallarines con su asado. Allí se reunía el criollismo aliancista: los hermanos Govea, los Ascue, Rosita y Alejandro Ascoy, Alejandro Cortez de 'Los Morochucos', Romulo Varillas y tantos más. Allí estaban también los dirigentes de Alianza, ex jugadores, hinchas. Los jugadores en actividad solo llegaban a la mañana siguiente, para saludar al Señor y tomar el desayuno que también preparaba mi mamá al morir la jarana: tamales, chicharrones y chocolate caliente". Después de pasar la noche en la iglesia de La Victoria, el Cristo Morado emprendía su recorrido muy temprano al día siguiente. Antes de partir la procesión se hizo una costumbre, desde entonces, que el plantel de Alianza Lima le rindiera su homenaje a la venerada imagen, ofreciéndole flores, cirios, escudos. EI mas devoto era Don Adelfo Magallanes, que en los años cincuenta dirigía al equipo íntimo. "Los campeonatos que ha conseguido Alianza son gracias al Señor de los Milagros, que protege a los negros", aseguraba. Lo seguían Emilio Vargas, el Conejo Benitez, Cornelio Heredia, Juan Emilio Salinas, Carlos Lazón; pocos años después Perico León con Pitín Zegarra. Cuando se construyo el estadio de Matute -inaugurado en 1974-, a la salida del vestuario blanquiazul, justo antes de saltar al campo de juego, se colocó una imagen del Cristo Morado. Alianza Lima y el Cristo de Pachacamilla eran inseparables. Alianza, jarana y fe, devoción y diversión, cultura criolla, fiesta del pueblo. Imposible imaginar Lima sin sus valses, su procesión, su mes morado, su equipo de futbol: Alianza Lima, por supuesto.
martes, 22 de septiembre de 2009
domingo, 13 de septiembre de 2009
Mujer "Cancer de Amor"
HAY UNA MUJER
Que tiene algo de Dios por la inmensidad de su amor, y mucho de ángel por la incansable solicitud de sus cuidados.
Una mujer que siendo joven, tiene la reflexión de una anciana y en la vejez trabaja con el vigor de la juventud.
Una mujer, que si es ignorante, descubre con más acierto los secretos de la vida que un sabio, y si es instruida se acomoda a la simplicidad de los niños.
Una mujer, que siendo pobre se satisface con los que ama, y siendo rica, daría con gusto sus tesoros por no sufrir en su corazón la herida de la ingratitud.
Una mujer que siendo vigorosa, se estremece con el llanto de un niño, y siendo débil se reviste a veces con la bravura de un león.
Una mujer que mientras vive no la sabemos estimar, porque a su lado todos los dolores se olvidan, pero después de muerta daríamos todo lo que poseemos por mirarla de nuevo un solo instante, por recibir de ella un solo abrazo, por escuchar un solo acento de sus labios.
De esa mujer no averigües por su nombre, porque ella puede ser tu hermana, tu esposa o tu querida madre.
Que tiene algo de Dios por la inmensidad de su amor, y mucho de ángel por la incansable solicitud de sus cuidados.
Una mujer que siendo joven, tiene la reflexión de una anciana y en la vejez trabaja con el vigor de la juventud.
Una mujer, que si es ignorante, descubre con más acierto los secretos de la vida que un sabio, y si es instruida se acomoda a la simplicidad de los niños.
Una mujer, que siendo pobre se satisface con los que ama, y siendo rica, daría con gusto sus tesoros por no sufrir en su corazón la herida de la ingratitud.
Una mujer que siendo vigorosa, se estremece con el llanto de un niño, y siendo débil se reviste a veces con la bravura de un león.
Una mujer que mientras vive no la sabemos estimar, porque a su lado todos los dolores se olvidan, pero después de muerta daríamos todo lo que poseemos por mirarla de nuevo un solo instante, por recibir de ella un solo abrazo, por escuchar un solo acento de sus labios.
De esa mujer no averigües por su nombre, porque ella puede ser tu hermana, tu esposa o tu querida madre.
sábado, 12 de septiembre de 2009
miércoles, 9 de septiembre de 2009
Arte gótico: visiones gloriosas
Descripción principal:
Cuando contemplamos los vertiginosos espacios de la catedral de Chartres o las brillantes páginas de un manuscrito iluminado, somos testigos de un nuevo modo de ver las cosas. En esta radical revisión del arte gótico en Europa, la palabra «gótico» no sólo describe un estilo artístico, sino un concepto cambiante del espacio, el tiempo y la sociedad: un nuevo tipo de percepción, tanto visual como espiritual, en el que la luz tiene una importancia fundamental. Camille nos muestra cómo veía su propia época el arte de los siglos XIII y XIV, al tiempo que explora el modo en que se entendía la visión en sí. En esta época de pintura gloriosa, de arquitectura y escultura magníficas y complejas, de lujosa iluminación de manuscritos, el arte era la expresión de la pasión religiosa y del poder terreno, de la riqueza pública y privada, de la ciencia y del conocimiento. La nueva visión condujo a un estallido de brillantes imágenes, pero tenía su lado sombrío, al que la Historia del arte rara vez ha prestado atención: la representación deformada de los «otros» –judíos, herejes, leprosos–. una nueva visión, pues, no sólo de lo maravilloso, sino también de lo grotesco. Este libro contrasta con los enfoques tradicionales, centrados con frecuencia en la tecnología arquitectónica y en los pequeños detalles de la iconografía. Elementos inusuales, como el revival gótico del siglo XIX, proporcionan un marco amplio, mientras que las numerosas obras de arte seleccionadas, de Londres a Praga, de Escandinavia a España, revelan el estilo gótico como un verdadero estilo internacional.
Descripción principal:
Radical revisión del arte gótico en Europa, en la que la palabra «gótico» no sólo describe un estilo artístico, sino un concepto cambiante del espacio, el tiempo y la sociedad.
Cuando contemplamos los vertiginosos espacios de la catedral de Chartres o las brillantes páginas de un manuscrito iluminado, somos testigos de un nuevo modo de ver las cosas. En esta radical revisión del arte gótico en Europa, la palabra «gótico» no sólo describe un estilo artístico, sino un concepto cambiante del espacio, el tiempo y la sociedad: un nuevo tipo de percepción, tanto visual como espiritual, en el que la luz tiene una importancia fundamental. Camille nos muestra cómo veía su propia época el arte de los siglos XIII y XIV, al tiempo que explora el modo en que se entendía la visión en sí. En esta época de pintura gloriosa, de arquitectura y escultura magníficas y complejas, de lujosa iluminación de manuscritos, el arte era la expresión de la pasión religiosa y del poder terreno, de la riqueza pública y privada, de la ciencia y del conocimiento. La nueva visión condujo a un estallido de brillantes imágenes, pero tenía su lado sombrío, al que la Historia del arte rara vez ha prestado atención: la representación deformada de los «otros» –judíos, herejes, leprosos–. una nueva visión, pues, no sólo de lo maravilloso, sino también de lo grotesco. Este libro contrasta con los enfoques tradicionales, centrados con frecuencia en la tecnología arquitectónica y en los pequeños detalles de la iconografía. Elementos inusuales, como el revival gótico del siglo XIX, proporcionan un marco amplio, mientras que las numerosas obras de arte seleccionadas, de Londres a Praga, de Escandinavia a España, revelan el estilo gótico como un verdadero estilo internacional.
Descripción principal:
Radical revisión del arte gótico en Europa, en la que la palabra «gótico» no sólo describe un estilo artístico, sino un concepto cambiante del espacio, el tiempo y la sociedad.
sábado, 5 de septiembre de 2009
domingo, 30 de agosto de 2009
sábado, 15 de agosto de 2009
Características del arte romántico.
Libertad en el arte, libertad en la sociedad; ahí está el doble objetivo.
Víctor Hugo en el prólogo de Hernani.
Hasta el momento presente el objetivo del arte ha sido la belleza, pero ésta es sólo una pequeña parte de lo que el hombre puede imitar.
Lessing en el Laoconte.
Características del arte romántico.
Si en la Ilustración brillaba la luz, en el Romanticismo nos abruman las tinieblas. Bajo el nombre de "Romanticismo" se esconde un grito desgarrador de libertad. Después de la caída de Napoleón, el Romanticismo, es una vía de escape para las jóvenes generaciones que aspiran a encarnar los principios revolucionarios.
El Romanticismo puede entenderse como la "primera vanguardia en la Historia del Arte", se inaugura la entrada en una nueva época, la nuestra:
El arte deja de regirse por la doctrina del Clasicismo.
El objetivo principal del arte no es la belleza, sino la expresión y sentimientos que pueden abrir horizontes mucho más amplios.
Emerge un deseo de que aparezca lo nuevo, insólito, oculto, reprimido, en una palabra, lo sublime, lo que está más allá del límite. Esta ansiedad provoca mucho más placer estético que la belleza.
Prima la subjetividad en detrimento de lo objetivo. Por medio del arte se intenta expresar el mundo interior del artista, aunque para ello haya que recurrir a mundos oscuros, penumbras o sueños.
Cobra importancia el tema de la magnitud. Se siente el mundo como algo inabarcable a lo que el hombre es incapaz de llegar.
Esto genera un sentimiento de inferioridad y una angustia ante las fuerzas incontrolables de la Naturaleza.Impera la Historia Nacional. En el Romanticismo se alza el orgullo de las lenguas locales, las raíces profundas de los pueblos natales.
Se buscan los orígenes remotos de lo primigenio.Amor a la Edad Media y sus valores: ruralización, feudalismo y por lo general, todo aquello que rechazaba el racionalismo ilustrado.Hay un vivencia profunda de la religión.Se impone el gusto por lo exótico.
Se valora lo distinto, de ahí que la mirada se fije profundamente en mundos orientales.
Libertad en el arte, libertad en la sociedad; ahí está el doble objetivo.
Víctor Hugo en el prólogo de Hernani.
Hasta el momento presente el objetivo del arte ha sido la belleza, pero ésta es sólo una pequeña parte de lo que el hombre puede imitar.
Lessing en el Laoconte.
Características del arte romántico.
Si en la Ilustración brillaba la luz, en el Romanticismo nos abruman las tinieblas. Bajo el nombre de "Romanticismo" se esconde un grito desgarrador de libertad. Después de la caída de Napoleón, el Romanticismo, es una vía de escape para las jóvenes generaciones que aspiran a encarnar los principios revolucionarios.
El Romanticismo puede entenderse como la "primera vanguardia en la Historia del Arte", se inaugura la entrada en una nueva época, la nuestra:
El arte deja de regirse por la doctrina del Clasicismo.
El objetivo principal del arte no es la belleza, sino la expresión y sentimientos que pueden abrir horizontes mucho más amplios.
Emerge un deseo de que aparezca lo nuevo, insólito, oculto, reprimido, en una palabra, lo sublime, lo que está más allá del límite. Esta ansiedad provoca mucho más placer estético que la belleza.
Prima la subjetividad en detrimento de lo objetivo. Por medio del arte se intenta expresar el mundo interior del artista, aunque para ello haya que recurrir a mundos oscuros, penumbras o sueños.
Cobra importancia el tema de la magnitud. Se siente el mundo como algo inabarcable a lo que el hombre es incapaz de llegar.
Esto genera un sentimiento de inferioridad y una angustia ante las fuerzas incontrolables de la Naturaleza.Impera la Historia Nacional. En el Romanticismo se alza el orgullo de las lenguas locales, las raíces profundas de los pueblos natales.
Se buscan los orígenes remotos de lo primigenio.Amor a la Edad Media y sus valores: ruralización, feudalismo y por lo general, todo aquello que rechazaba el racionalismo ilustrado.Hay un vivencia profunda de la religión.Se impone el gusto por lo exótico.
Se valora lo distinto, de ahí que la mirada se fije profundamente en mundos orientales.
miércoles, 12 de agosto de 2009
sábado, 1 de agosto de 2009
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¿Que es Arte?
¿Que es Arte?
Arte, actividad que requiere un aprendizaje y puede limitarse a una simple habilidad técnica o ampliarse hasta el punto de englobar la expresión de una visión particular del mundo. El término arte deriva del latín ars, que significa habilidad y hace referencia a la realización de acciones que requieren una especialización, como por ejemplo el arte de la jardinería o el arte de jugar al ajedrez.
Sin embargo, en un sentido más amplio, el concepto hace referencia tanto a la habilidad técnica como al talento creativo en un contexto musical, literario, visual o de puesta en escena. El arte procura a la persona o personas que lo practican y a quienes lo observan una experiencia que puede ser de orden estético, emocional, intelectual o bien combinar todas esas cualidades.
En este fragmento de la introducción de la célebre historia del arte de E. H. Gombrich se analiza, con un estilo ameno en clave de divulgación característico de este autor, la relación entre el arte, los artistas y el espectador. La traducción de esta edición es de Rafael Santos Torroella.
BELLAS ARTES Y ARTES DECORATIVAS
Tradicionalmente, en la mayoría de las sociedades el arte ha combinado la función práctica con la estética, pero en el siglo XVIII en el mundo occidental se empezó a distinguir el arte como un valor puramente estético que, además, tenía una función práctica. Las bellas artes (en francés beaux arts) —literatura, música, danza, pintura, escultura y arquitectura— centran su interés en la estética. Las consideradas artes decorativas, o artes aplicadas, como la cerámica, la metalistería, el mobiliario, el tapiz y el esmalte suelen ser artes de carácter utilitario y durante cierto tiempo estuvieron degradadas al rango de oficios. Dado que en la Escuela de Bellas Artes de París sólo se impartía la enseñanza de las principales artes visuales, a veces el término se ha utilizado de modo restringido para referirse sólo al dibujo, la pintura, la arquitectura y la escultura. Sin embargo, desde mediados del siglo XX, el mayor interés por las tradiciones populares no occidentales y la importancia del trabajo individual por parte de una sociedad mecanizada, ha hecho que esa vieja diferenciación fuese cada vez menos clara y que se consideren artes tanto las unas como las otras
¿Cuales Son las Bellas Artes?
Música, movimiento organizado de sonidos a través de un espacio de tiempo. La música desempeña un papel importante en todas las sociedades y existe en una gran cantidad de estilos, característicos de diferentes regiones geográficas o épocas históricas.
Danza, movimientos corporales rítmicos que siguen un patrón, acompañados generalmente con música y que sirve como forma de comunicación o expresión. Los seres humanos se expresan a través del movimiento. La danza es la transformación de funciones normales y expresiones comunes en movimientos fuera de lo habitual para propósitos extraordinarios. Incluso una acción tan normal como el caminar se realiza en la danza de una forma establecida, en círculos o en un ritmo concreto y dentro de un contexto especial. La danza puede incluir un vocabulario preestablecido de movimientos, como en el ballet y la danza folclórica europea, o pueden utilizarse gestos simbólicos o mimo, como en las numerosas formas de danza asiática. Personas de diversas culturas bailan de forma distinta por razones variadas y los diferentes tipos de danzas revelan mucho sobre su forma de vivir.
Pintura, arte de representar imágenes reales, ficticias o, simplemente, abstractas sobre una superficie, que puede ser de naturaleza muy diversa, por medio de pigmentos mezclados con otras sustancias orgánicas o sintéticas.
Escultura (en latín sculpere, `esculpir'), arte de crear formas figurativas o abstractas, tanto exentas como en relieve.
Arquitectura, arte o ciencia de proyectar y construir edificios perdurables. Sigue determinadas reglas, con objeto de crear obras adecuadas a su propósito, agradables a la vista y capaces de provocar un placer estético.
Arte, actividad que requiere un aprendizaje y puede limitarse a una simple habilidad técnica o ampliarse hasta el punto de englobar la expresión de una visión particular del mundo. El término arte deriva del latín ars, que significa habilidad y hace referencia a la realización de acciones que requieren una especialización, como por ejemplo el arte de la jardinería o el arte de jugar al ajedrez.
Sin embargo, en un sentido más amplio, el concepto hace referencia tanto a la habilidad técnica como al talento creativo en un contexto musical, literario, visual o de puesta en escena. El arte procura a la persona o personas que lo practican y a quienes lo observan una experiencia que puede ser de orden estético, emocional, intelectual o bien combinar todas esas cualidades.
En este fragmento de la introducción de la célebre historia del arte de E. H. Gombrich se analiza, con un estilo ameno en clave de divulgación característico de este autor, la relación entre el arte, los artistas y el espectador. La traducción de esta edición es de Rafael Santos Torroella.
BELLAS ARTES Y ARTES DECORATIVAS
Tradicionalmente, en la mayoría de las sociedades el arte ha combinado la función práctica con la estética, pero en el siglo XVIII en el mundo occidental se empezó a distinguir el arte como un valor puramente estético que, además, tenía una función práctica. Las bellas artes (en francés beaux arts) —literatura, música, danza, pintura, escultura y arquitectura— centran su interés en la estética. Las consideradas artes decorativas, o artes aplicadas, como la cerámica, la metalistería, el mobiliario, el tapiz y el esmalte suelen ser artes de carácter utilitario y durante cierto tiempo estuvieron degradadas al rango de oficios. Dado que en la Escuela de Bellas Artes de París sólo se impartía la enseñanza de las principales artes visuales, a veces el término se ha utilizado de modo restringido para referirse sólo al dibujo, la pintura, la arquitectura y la escultura. Sin embargo, desde mediados del siglo XX, el mayor interés por las tradiciones populares no occidentales y la importancia del trabajo individual por parte de una sociedad mecanizada, ha hecho que esa vieja diferenciación fuese cada vez menos clara y que se consideren artes tanto las unas como las otras
¿Cuales Son las Bellas Artes?
Música, movimiento organizado de sonidos a través de un espacio de tiempo. La música desempeña un papel importante en todas las sociedades y existe en una gran cantidad de estilos, característicos de diferentes regiones geográficas o épocas históricas.
Danza, movimientos corporales rítmicos que siguen un patrón, acompañados generalmente con música y que sirve como forma de comunicación o expresión. Los seres humanos se expresan a través del movimiento. La danza es la transformación de funciones normales y expresiones comunes en movimientos fuera de lo habitual para propósitos extraordinarios. Incluso una acción tan normal como el caminar se realiza en la danza de una forma establecida, en círculos o en un ritmo concreto y dentro de un contexto especial. La danza puede incluir un vocabulario preestablecido de movimientos, como en el ballet y la danza folclórica europea, o pueden utilizarse gestos simbólicos o mimo, como en las numerosas formas de danza asiática. Personas de diversas culturas bailan de forma distinta por razones variadas y los diferentes tipos de danzas revelan mucho sobre su forma de vivir.
Pintura, arte de representar imágenes reales, ficticias o, simplemente, abstractas sobre una superficie, que puede ser de naturaleza muy diversa, por medio de pigmentos mezclados con otras sustancias orgánicas o sintéticas.
Escultura (en latín sculpere, `esculpir'), arte de crear formas figurativas o abstractas, tanto exentas como en relieve.
Arquitectura, arte o ciencia de proyectar y construir edificios perdurables. Sigue determinadas reglas, con objeto de crear obras adecuadas a su propósito, agradables a la vista y capaces de provocar un placer estético.
Concepto de arte. CONCEPTOS BÁSICOS de historia del arte:
ARTE: Acto mediante el cual, valiéndose de la materia o de lo visible, imita o expresa el hombre lo material o lo invisible, y crea copiando o fantaseando. En sentido amplio, podemos denominar como Arte a toda creación u obra que exprese lo que el hombre desea exteriorizar, obedeciendo a sus propios patrones de belleza y estética.
ARQUITECTURA: En un sentido corriente, la Arquitectura es el arte de construir, de acuerdo con un programa y empleando los medios diversos de que se dispone en cada época; así podemos definirla como el arte de proyectar y construir estructuras. La misma tiene un sólido fundamento científico y obedece a una técnica compleja, por esta razón se dice que sólo es arte cuando la construcción es expresiva de la voluntad espiritual de una época y esa expresión arquitectónica es el resultado de todos los elementos constitutivos que emanan esencialmente de las relaciones que se entablan con el espacio que conforma la obra y el espacio que lo circunda. De allí cabe resaltar que la Arquitectura es el arte de conformar el espacio, transformándolo. En sus más acabadas manifestaciones, la Arquitectura logra unir la belleza y la utilidad, a tal punto que una depende de la otra, pues una obra no es hermosa si no se adapta al fin para el cual se destina.
ESCULTURA: La Escultura es el arte de crear formas expresivas de tres dimensiones reales, sean volúmenes, cuando se emplean materiales compactos, sean objetos en los que predomina el espacio, apenas delimitado o indicado mediante ejes que lo recorren, cuando se emplean materiales que pueden reducirse a hilos, cintas, cuerdas, etc. o materiales transparentes. La primera forma es la tradicional, la segunda se desprende del carácter que tiene la escultura de vanguardia, pero ambas afirman la tridimensionalidad. El escultor tradicional crea formas volumétricas modelando una sustancia dotada de cierta plasticidad, como la cera y la arcilla húmeda, o tallando materias duras como la piedra, el granito, la madera, el marfil, o bien haciendo moldes que le permiten reproducir en relieve lo que aquellos representan en hueco. El escultor moderno crea formas espaciales utilizando piezas de hiero fundido, hilos de alambre, cintas de acero, filamentos de madera, cuerdas de violín y materiales plásticos variados.
PINTURA: Arte que representa en superficie plana cualquier objeto real o imaginario por medio del dibujo y el color. Los testimonios más antiguos del arte humano son dibujos y pinturas que los primitivos habitantes del planeta dejaron en cavernas prehistóricas, estas pinturas fueron llamadas Rupestres. Desde el punto de vista técnico la pintura se dice que es al fresco cuando se aplica a paredes y techo usando colores disueltos en agua y cal; al óleo cuando ha sido elaborada con colores desleídos en aceite secante, por lo general sobre una tela. La pintura al pastel se efectúa con lápices blandos y pastosos; la acuarela emplea colores transparentes diluidos en agua; a la aguada se llama el procedimiento de emplear colores espesos, templados con agua de goma y miel; pintura al temple es la preparada con líquidos glutinosos y calientes, en ella se emplea entre otros productos, el agua de cola. En la llamada de porcelana se usan colores minerales endurecidos y unidos por medio del fuego.
ARTES VISUALES: En su sentido más general, son las que se relacionan con la impresión e ilustración, las que se expresan por medio de gráficos e imágenes; abarca todas las artes que se representan sobre una superficie plana. Las Artes Visuales tienen como función el comunicar lo que el artista desea expresar por medio de un lenguaje visual, atendiendo tanto a los elementos compositivos como a los principios compositivos, para que la obra en sí resulte agradable y de buen gusto para quien la observe.
ARTE MODERNO
El periodo que va desde la segunda guerra mundial hasta mediados de los años setenta del siglo XX es el más prolífico de toda la historia del arte. Durante esos años, multitud de tendencias y movimientos más o menos estructurados se fueron sucediendo vertiginosamente. La mayoría de esas manifestaciones artísticas tienen un carácter internacional, aunque en algunos se dan diferencias significativas de forma local.
La postura innovadora de los artistas de este periodo produjo una apertura de las delimitaciones o fronteras del ámbito artístico que condujo a la desaparición de los rasgos inherentes a lo propiamente artístico.
El arte moderno puso de manifiesto que la deformación de los objetos que se representaban no era involuntaria, sino deliberada, artística, buscada con el fin de satisfacer cierta concepción poética de las cosas.
El sacrificio de la razón, este irracionalismo es lo que el arte moderno ha hecho valer por encima de las normas tradicionales.
Se define por tanto al arte moderno como irracionalismo en su forma más amplia. No obstante, podemos decir que el irracionalismo es una condición necesaria del arte, y que está presente en todas las expresiones artísticas de la humanidad, por lo que no puede considerarse como algo característico peculiar del arte moderno. Pero teniendo en cuenta que el arte moderno es el más artístico, el más puro como arte, “el arte por el arte”, se entiende en qué sentido la definición anterior es cierta; porque debe verse en el arte moderno el más puro, el más absoluto irracionalismo estético que ha conocido la humanidad.Ninguno de los irracionalismos de los artes anteriores, de carácter místico, popular o tradicional lo era por completo ya que siempre estuvieron ligados a alguna forma de la significación, es decir, al entendimiento. En el irracionalismo del arte moderno no hay sitio para ninguna clase de significación, se trata de un irracionalismo objetivista.
Esto significa que considera la irracionalidad como una propiedad esencial del objeto y no como un defecto interior de la conciencia. A esta concepción debe el arte moderno su carácter profundamente revolucionario e impopular.
De acuerdo con esta concepción, las representaciones de los místicos tanto como las de los locos adquieren validez objetiva, se refieren a la misma realidad que las representaciones de los laicos y de los cuerdos; en otras palabras, considera que la falta de significación, o sea la irracionalidad es una cualidad esencial y natural de la realidad que confronta a nuestro entendimiento.
Las primeras obras del arte moderno se corresponden a los movimientos romántico y realista. Más tarde, se empezó a jugar con la luz y el espacio, a través de la pintura y el color, lo que dió lugar al impresionismo y posimpresionismo.
Unos años antes de la Primera Guerra Mundial, se desarrollaron los movimientos del cubismo, el fauvismo, el expresionismo y el futurismo. Más tarde vino el surrealismo.
A partir de los años 50 y 60 fueron aàreciendo otras formas de expresión del arte moderno como el expresionismo abstracto, el pop-art y el minimalismo.
La postura innovadora de los artistas de este periodo produjo una apertura de las delimitaciones o fronteras del ámbito artístico que condujo a la desaparición de los rasgos inherentes a lo propiamente artístico.
El arte moderno puso de manifiesto que la deformación de los objetos que se representaban no era involuntaria, sino deliberada, artística, buscada con el fin de satisfacer cierta concepción poética de las cosas.
El sacrificio de la razón, este irracionalismo es lo que el arte moderno ha hecho valer por encima de las normas tradicionales.
Se define por tanto al arte moderno como irracionalismo en su forma más amplia. No obstante, podemos decir que el irracionalismo es una condición necesaria del arte, y que está presente en todas las expresiones artísticas de la humanidad, por lo que no puede considerarse como algo característico peculiar del arte moderno. Pero teniendo en cuenta que el arte moderno es el más artístico, el más puro como arte, “el arte por el arte”, se entiende en qué sentido la definición anterior es cierta; porque debe verse en el arte moderno el más puro, el más absoluto irracionalismo estético que ha conocido la humanidad.Ninguno de los irracionalismos de los artes anteriores, de carácter místico, popular o tradicional lo era por completo ya que siempre estuvieron ligados a alguna forma de la significación, es decir, al entendimiento. En el irracionalismo del arte moderno no hay sitio para ninguna clase de significación, se trata de un irracionalismo objetivista.
Esto significa que considera la irracionalidad como una propiedad esencial del objeto y no como un defecto interior de la conciencia. A esta concepción debe el arte moderno su carácter profundamente revolucionario e impopular.
De acuerdo con esta concepción, las representaciones de los místicos tanto como las de los locos adquieren validez objetiva, se refieren a la misma realidad que las representaciones de los laicos y de los cuerdos; en otras palabras, considera que la falta de significación, o sea la irracionalidad es una cualidad esencial y natural de la realidad que confronta a nuestro entendimiento.
Las primeras obras del arte moderno se corresponden a los movimientos romántico y realista. Más tarde, se empezó a jugar con la luz y el espacio, a través de la pintura y el color, lo que dió lugar al impresionismo y posimpresionismo.
Unos años antes de la Primera Guerra Mundial, se desarrollaron los movimientos del cubismo, el fauvismo, el expresionismo y el futurismo. Más tarde vino el surrealismo.
A partir de los años 50 y 60 fueron aàreciendo otras formas de expresión del arte moderno como el expresionismo abstracto, el pop-art y el minimalismo.