sábado, 25 de diciembre de 2010
domingo, 12 de diciembre de 2010
viernes, 10 de diciembre de 2010
La Navidad de Antaño
Ya casi nada queda de la Navidad de Antaño, aquella Navidad con repiques de todas las campanas, bulliciosa misa de gallo y los nacimientos con villancicos, pallas, los tres reyes del Oriente; vino, chicha y aguardiente, y los reyes magos: el negro, el cholo y el blanco.
Antiguamente, todo el mes de diciembre estaba dedicado a las conmemoraciones del nacimiento de Cristo, comenzando con la fecha de la Purísima Concepción. La siembra de los tiguitos; la Novena de Aguinaldo; las festividades propias de Navidad con nochebuena de iluminarias (luces en las calles), fuegos y colaciones (dulces y frutas) y con escenas de autos sacramentales (obras teatrales) y de entremeses risueños (bocadillos); la celebración de los Santos Inocentes con chanzas (bromas) y engañifas (engaños); hasta el 6 de enero, día de la bajada de los Reyes con padrinos para el descendimiento. Durante treinta días la ciudad vivía pendiente de los festejos pascuales.
En los templos, en los hospitales, en las Casas de ejercicios, en las mansiones particulares, se armaban los belenes (nacimientos) a base del clásico portal con el pesebre, la Virgen, San José, el Niño, la mula, el buey y los pastores.
Anónimos imagineros (pintores y escultores de imágenes sagradas) hacían en madera, en plata, en piedra de Huamanga, hasta en migajón de pan, figurillas muchas veces de una estética admirable. Los Reyes Magos; la bíblica pareja con la serpiente y el árbol de las tentaciones; el Noé barbado con el Arca del cuervo y la paloma; el huidizo Pilatos del lavatorio hipócrita; el Abraham del acero suspendido sobre el hijo en la leña de los sacrificios; el pequeño David de la honda frente al Goliat gigantesco; y en mescolanza abigarrada, los más criollos tipos: aguadores y tamaleros, bizcocheros y cachacos (policías), bomberos y soldados, jugadas de gallos y corridas de toros, trencitos de cuerda y caballeros andantes; junto al conquistador un tranviero (conductor de tranvías); y cabe la marquesa llena de gaiterías, la jazminera con su mixtura en actitud de pregón y de danza. Y, además, personajes y episodios nacionales; la Jura de la Independencia, la entrada de Orbegoso, muy a lo cajetilla Vivanco y a lo soldadesco Castilla, el 2 de mayo, la montonera en Cocharcas…..
De aquellos nacimientos, entre los más notables, después de los coloniales, algunos lujosísimos, fue el de Doña Juana Oyarzábal y de la Canl viuda del General Raygada en su Quinta de Barbones, y el último del género, con la estrella en lo alto de la ventana teatrina y un cuarto entero repleto de figuras, el de Doña Josefa Méndez y Valdivia en Chorrillos y subsistente hasta hace pocos años.
(Del libro de José Gálvez, “Calles de Lima y meses del año”, 1943).
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Antiguamente, todo el mes de diciembre estaba dedicado a las conmemoraciones del nacimiento de Cristo, comenzando con la fecha de la Purísima Concepción. La siembra de los tiguitos; la Novena de Aguinaldo; las festividades propias de Navidad con nochebuena de iluminarias (luces en las calles), fuegos y colaciones (dulces y frutas) y con escenas de autos sacramentales (obras teatrales) y de entremeses risueños (bocadillos); la celebración de los Santos Inocentes con chanzas (bromas) y engañifas (engaños); hasta el 6 de enero, día de la bajada de los Reyes con padrinos para el descendimiento. Durante treinta días la ciudad vivía pendiente de los festejos pascuales.
En los templos, en los hospitales, en las Casas de ejercicios, en las mansiones particulares, se armaban los belenes (nacimientos) a base del clásico portal con el pesebre, la Virgen, San José, el Niño, la mula, el buey y los pastores.
Anónimos imagineros (pintores y escultores de imágenes sagradas) hacían en madera, en plata, en piedra de Huamanga, hasta en migajón de pan, figurillas muchas veces de una estética admirable. Los Reyes Magos; la bíblica pareja con la serpiente y el árbol de las tentaciones; el Noé barbado con el Arca del cuervo y la paloma; el huidizo Pilatos del lavatorio hipócrita; el Abraham del acero suspendido sobre el hijo en la leña de los sacrificios; el pequeño David de la honda frente al Goliat gigantesco; y en mescolanza abigarrada, los más criollos tipos: aguadores y tamaleros, bizcocheros y cachacos (policías), bomberos y soldados, jugadas de gallos y corridas de toros, trencitos de cuerda y caballeros andantes; junto al conquistador un tranviero (conductor de tranvías); y cabe la marquesa llena de gaiterías, la jazminera con su mixtura en actitud de pregón y de danza. Y, además, personajes y episodios nacionales; la Jura de la Independencia, la entrada de Orbegoso, muy a lo cajetilla Vivanco y a lo soldadesco Castilla, el 2 de mayo, la montonera en Cocharcas…..
De aquellos nacimientos, entre los más notables, después de los coloniales, algunos lujosísimos, fue el de Doña Juana Oyarzábal y de la Canl viuda del General Raygada en su Quinta de Barbones, y el último del género, con la estrella en lo alto de la ventana teatrina y un cuarto entero repleto de figuras, el de Doña Josefa Méndez y Valdivia en Chorrillos y subsistente hasta hace pocos años.
(Del libro de José Gálvez, “Calles de Lima y meses del año”, 1943).
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domingo, 5 de diciembre de 2010
martes, 30 de noviembre de 2010
NINA SIMONE - La sacerdotiza del SOUL
(Nombre artístico de Eunice Kathleen Waymon; Tryon, Carolina del Norte, 1933 - Carry-le-Rouet, Francia, 2003) Cantante y pianista estadounidense, considerada una de las grandes voces del siglo XX. Nina era la sexta de una familia de ocho hermanos, descendiente principalmente de esclavos africanos, aunque entre sus ancestros también hubo sangre irlandesa e india.
Su padre, John Divine Waymon, se dedicó durante un tiempo al mundo del espectáculo: cantaba, bailaba y tocaba la harmónica, aunque cuando su familia empezó a ser numerosa, trabajó en una tintorería y como barbero para salir adelante. La madre, Mary Kate, tocó el piano para él en alguna ocasión, aunque luego se hizo ministra de la Iglesia metodista y rechazó todo lo que no fueran espirituales religiosos.
Simone creció, pues, rodeada de música. En su hogar, todos los hermanos cantaban y tocaban algún instrumento, sin tomar clases ni tener siquiera conciencia de haber aprendido. Cuenta en su autobiografía que su primer recuerdo de la infancia es su madre cantando gospel, y que empezó a tocar el órgano que había en la casa tan pronto como creció lo suficiente como para sentarse en el banco y llegar al teclado. Nadie se dio cuenta hasta que un día su madre la vio tocando una de sus canciones favoritas: aún no había cumplido tres años.
En 1939 tomó sus primeras clases formales de piano, y a los diez años dio su primer recital, en la librería local. Fue también su primera toma de contacto con el racismo: durante el mismo, sus padres fueron desalojados de la primera fila para acomodar a blancos. Esa experiencia del Sur segregado fue traumática para la pequeña Eunice. Más tarde declaró que fue el punto de partida de su compromiso en la lucha por los derechos civiles.
Con ayuda financiera de aficionados locales, en 1950 continuó sus estudios de piano clásico en Nueva York. Posteriormente, su familia se mudó a Filadelfia, donde fue rechazada en una escuela de música. En 1954 apareció una oportunidad de trabajo en un bar de Atlantic City (localidad de Nueva Jersey que es algo así como el Las Vegas de la costa Este). El problema era que el dueño quería que cantara, mientras que Eunice tan sólo se presentaba como pianista. Ella improvisó una versión de I loves you Porgy, de George Gershwin, con su característico timbre grave, y obtuvo el puesto.
Fue en Atlantic City donde adoptó el nombre artístico que la daría a conocer mundialmente, tomado de la actriz francesa Simone Signoret. Empezó a darse a conocer y, tras actuar en varios clubes de Filadelfia, logró un contrato discográfico con Bethlehem Records, en 1957.
Al año siguiente publicó su primer disco, Jazz as played in an exclusive side street club (también conocido como Little girl blue). Fue un éxito inmediato, y el sencillo escogido, I loves you Porgy, vendió un millón de ejemplares en Estados Unidos en el verano de 1959. Curiosamente, jamás volvería a colocar otra canción en el Top-40 de Estados Unidos, lo cual no le impidió forjarse una audiencia fiel.
A continuación, Simone firmó un contrato con la poderosa Colpix (Columbia Pictures Records), con la que publicó diez discos en cinco años (seis en estudio y cuatro en directo), y varias canciones para bandas sonoras de películas de Columbia; entre ellas: Wild is the wind, Sayonara y Samson and Delilah. En 1961 contrajo matrimonio con Andy Stroud, detective de Nueva York que se convertiría en su mánager, y que aparecería como compositor en los créditos de varias canciones. Ambos tuvieron una hija, Lisa Celeste, en 1962.
En 1964 firmó otro contrato, esta vez con Philips, discográfica con la que publicó siete discos en tres años. De ese período destaca su clásico Don’t let be me, su versión de I put a spell on you, de Screaming Jay Hawkins, y su primera canción de protesta: Mississippi goddam! (‘¡Mississippi, maldita sea!’), furioso alegato contra varios estados del sur de Estados Unidos, inscrito en la lucha por los derechos civiles de los negros. Por entonces se la empezó a conocer como la Suma Sacerdotisa del Soul.
Entre 1966 y 1974 produjo, para la compañía RCA, algunos de sus mayores éxitos, como las versiones de To love somebody (Bee Gees) y Ain’t got no/I got life, del musical Hair. Otro de sus clásicos, To be young, gifted and black, estaba inspirado por una pieza de teatro de su amiga Lorraine Hansberry, y fue grabado por Aretha Franklin en 1972.
En 1969 decidió dejar de vivir en Estados Unidos, asqueada por el racismo de la sociedad estadounidense. Por esa época se separó de Stroud. Nina pasó a convertirse en su propia mánager, y a trabajar con su hermano Sam Waymon. Residió en Liberia cuatro años, y también en Barbados, Suiza, los Países Bajos, Trinidad y Gran Bretaña. Declaró en alguna ocasión que le gustaría morir en África, aunque finalmente eligió establecerse en Francia, con cuya cultura siempre se sintió ligada sentimentalmente: entre sus clásicos se encuentra una versión de Ne me quitte pas, de Jacques Brel.
En 1978 fue brevemente arrestada por no declarar impuestos entre 1971 y 1973, en protesta por la guerra de Vietnam. Ese año publicó Baltimore y en 1982 Fodder on my wings, disco basado en su autoimpuesto «exilio», para un sello discográfico suizo. Cuando parecía destinada a convertirse en una vieja gloria sólo recordada por nostálgicos, un espectacular rebrote de fama le llegó de forma inesperada en 1987. My baby just cares for me, una vieja canción que aparecía en su primer disco, publicado hacía ya treinta años, se convirtió en el tema escogido para una campaña de publicidad del perfume Chanel Nº 5 para la televisión británica. Alcanzó el quinto puesto en las listas de ventas de Gran Bretaña.
El éxito en toda Europa la devolvió a la luz pública, y se prodigó en colaboraciones con artistas como Pete Townsend, Maria Bethânia o Miriam Makeba. En 1992 apareció su música en la película Point of no return, inspirada en su propia vida. Ese año publicó su autobiografía, titulada I put a spell on you, que fue inmediatamente traducida al francés, el alemán y el holandés. En 1993, año en que se instaló definitivamente en el sur de Francia, publicó su último álbum en estudio, A single woman, que contenía otro clásico de la canción francesa, Il n’y pas d’amour heureux.
http://www.biografiasyvidas.com
domingo, 28 de noviembre de 2010
miércoles, 24 de noviembre de 2010
domingo, 21 de noviembre de 2010
sábado, 20 de noviembre de 2010
El diseño gráfico como arte visual
Jorge Luis García Fabela
El diseño gráfico como arte visual
¿Por qué la relación arte-diseño?
La característica base del diseño es la utilidad y contiene el valor de la estética. El diseño, al igual que el arte, comunica. Aquello que comunique el diseño gráfico tendrá como fin el que pueda servir, pueda aprovecharse, pueda persuadir, que cause algún beneficio o comodidad. El arte no puede verse privado de la persuasión ni del beneficio estético y puede proporcionar utilidad o provecho estético, espiritual y económico.
El diseño gráfico desde su origen como arte comercial requiere del dibujo, de la pintura, la fotografía y caligrafía para realizar sus imágenes y textos.
La pintura pertenece a las Bellas Artes y es común leer o escuchar que tiene un carácter desinteresado, que no se realiza para un público en especial, que el artista cuando pinta se expresa libremente, que tiene la característica de expresar pasiones, emociones, sentimientos y deseos del propio artista. Esto puede ser verdad pero no generalidad. El artista también puede pintar o hacer arte para un público en especial y cuanto más complicado sea el arte que realiza, su público será más especial. Hay que entender que existe un público de élite o un público de vanguardia, de la misma manera que también existen públicos populares. El artista tiene público y clientes: no podemos pensar que Jackson Pollock o Picasso hayan sido desinteresados cuando pintaban o vendían su obra. El cliente del artista puede encargar obras en particular de acuerdo a sus propios gustos e intereses.
El arte no tiene límites. En su historia y en sus diferentes manifestaciones ha producido todo lo imaginable. La pintura se ha realizado desde diversos movimientos o tendencias, con estilos propios y se ha extendido desde la bidimensionalidad a la tridimensionalidad, ha sido aplicada a muros, esculturas, instalaciones, a los más diversos objetos, al cuerpo humano. El arte se ha extendido a la iluminación, al cinetismo, a los efectos ópticos, a los objetos populares y de consumo, a modificaciones quirúrgico plásticas en los propios artistas, a la proyección y al ciberespacio. El arte se ha representado por costuras, tejidos. Un artista como Piero Manzoni podía seriar sus enlatados con el producto de sus propias heces y venderlos a precio de oro.
Al hacer un recorrido por todos los caminos, desde la pintura y las artes, el diseño gráfico ha tenido como referencias en su quehacer infinidad de imágenes artísticas realizadas de múltiples maneras y éstas le han servido como un muestrario inagotable de posibilidades de expresión para realizar las propias. Así explico la relación arte-diseño. Una relación que tiene tintes de parentesco, ya de consanguinidad.
El diseño gráfico como arte visual
¿Por qué la relación arte-diseño?
La característica base del diseño es la utilidad y contiene el valor de la estética. El diseño, al igual que el arte, comunica. Aquello que comunique el diseño gráfico tendrá como fin el que pueda servir, pueda aprovecharse, pueda persuadir, que cause algún beneficio o comodidad. El arte no puede verse privado de la persuasión ni del beneficio estético y puede proporcionar utilidad o provecho estético, espiritual y económico.
El diseño gráfico desde su origen como arte comercial requiere del dibujo, de la pintura, la fotografía y caligrafía para realizar sus imágenes y textos.
La pintura pertenece a las Bellas Artes y es común leer o escuchar que tiene un carácter desinteresado, que no se realiza para un público en especial, que el artista cuando pinta se expresa libremente, que tiene la característica de expresar pasiones, emociones, sentimientos y deseos del propio artista. Esto puede ser verdad pero no generalidad. El artista también puede pintar o hacer arte para un público en especial y cuanto más complicado sea el arte que realiza, su público será más especial. Hay que entender que existe un público de élite o un público de vanguardia, de la misma manera que también existen públicos populares. El artista tiene público y clientes: no podemos pensar que Jackson Pollock o Picasso hayan sido desinteresados cuando pintaban o vendían su obra. El cliente del artista puede encargar obras en particular de acuerdo a sus propios gustos e intereses.
El arte no tiene límites. En su historia y en sus diferentes manifestaciones ha producido todo lo imaginable. La pintura se ha realizado desde diversos movimientos o tendencias, con estilos propios y se ha extendido desde la bidimensionalidad a la tridimensionalidad, ha sido aplicada a muros, esculturas, instalaciones, a los más diversos objetos, al cuerpo humano. El arte se ha extendido a la iluminación, al cinetismo, a los efectos ópticos, a los objetos populares y de consumo, a modificaciones quirúrgico plásticas en los propios artistas, a la proyección y al ciberespacio. El arte se ha representado por costuras, tejidos. Un artista como Piero Manzoni podía seriar sus enlatados con el producto de sus propias heces y venderlos a precio de oro.
Al hacer un recorrido por todos los caminos, desde la pintura y las artes, el diseño gráfico ha tenido como referencias en su quehacer infinidad de imágenes artísticas realizadas de múltiples maneras y éstas le han servido como un muestrario inagotable de posibilidades de expresión para realizar las propias. Así explico la relación arte-diseño. Una relación que tiene tintes de parentesco, ya de consanguinidad.
Entre la invisibilidad y el mercado
Las artes visuales: entre la invisibilidad y el mercado
Javier Machicado*
El movimiento de las obras de las artes visuales se hace a través de galerías, subastas, intermediarios, y puede alcanzar precios tan altos que su economía puede llegar a parecerse bastante a la dinámica del mercado especulativo de valores financieros. La diferencia, sin embargo, es que en el mercado de las obras de arte altamente reconocidas, las cantidades ofrecidas son limitadas y el número de demandantes con capacidad de compra es bajo. Lo anterior determina que se trate de un mercado cultural no masivo, para muchos elitista, bastante restringido y pequeño, sin gran representatividad económica. Los museos, entre tanto, más apegados a su función patrimonial, continua y lenta, suelen desempeñarse conjugando criterios de mercado con los de la administración cuidadosa de recursos públicos destinados a su labor.
Estas especificidades del sector económico de las artes visuales difícilmente lo hacen comparable con las industrias masivas de la cultura, éstas sí con un importante peso económico. Sin embargo, la gestión de los diferentes mercados de las artes visuales exige el desarrollo de importantes habilidades empresariales por parte de sus agentes. Los museos, por ejemplo, desarrollan día a día habilidades para gestionar su financiación, cada vez menos dependiente de recursos públicos y más de recursos del mercado. Las artes visuales no pueden desapegarse de las prácticas de los mercados competitivos.
La distancia que pese a todo se guarda entre las artes visuales y las dinámicas empresariales determina que la información existente sobre los aspectos económicos de este sector cultural sea muy deficiente en una región como América Latina. Los desafíos en aspectos como la situación laboral de los artistas, la financiación de los museos, la asistencia del público a los mismos, etc., no son menores, y mayores esfuerzos deben hacerse para diagnosticarlos.
Javier Machicado*
El movimiento de las obras de las artes visuales se hace a través de galerías, subastas, intermediarios, y puede alcanzar precios tan altos que su economía puede llegar a parecerse bastante a la dinámica del mercado especulativo de valores financieros. La diferencia, sin embargo, es que en el mercado de las obras de arte altamente reconocidas, las cantidades ofrecidas son limitadas y el número de demandantes con capacidad de compra es bajo. Lo anterior determina que se trate de un mercado cultural no masivo, para muchos elitista, bastante restringido y pequeño, sin gran representatividad económica. Los museos, entre tanto, más apegados a su función patrimonial, continua y lenta, suelen desempeñarse conjugando criterios de mercado con los de la administración cuidadosa de recursos públicos destinados a su labor.
Estas especificidades del sector económico de las artes visuales difícilmente lo hacen comparable con las industrias masivas de la cultura, éstas sí con un importante peso económico. Sin embargo, la gestión de los diferentes mercados de las artes visuales exige el desarrollo de importantes habilidades empresariales por parte de sus agentes. Los museos, por ejemplo, desarrollan día a día habilidades para gestionar su financiación, cada vez menos dependiente de recursos públicos y más de recursos del mercado. Las artes visuales no pueden desapegarse de las prácticas de los mercados competitivos.
La distancia que pese a todo se guarda entre las artes visuales y las dinámicas empresariales determina que la información existente sobre los aspectos económicos de este sector cultural sea muy deficiente en una región como América Latina. Los desafíos en aspectos como la situación laboral de los artistas, la financiación de los museos, la asistencia del público a los mismos, etc., no son menores, y mayores esfuerzos deben hacerse para diagnosticarlos.
viernes, 15 de octubre de 2010
Oracion al Sr. de los Milagros
Señor Cristo de los Milagros, intercede ante tu Padre en favor de las necesidades de hoy,
bendice nuestro trabajo, nuestro hogar y dános valor para enfrentarnos a nuestros problemas. Líbranos de todos los males de cuerpo y alma, aumenta nuestra fé, y enciende nuestra caridad .
Dános esperanza en las luchas de la vida otórganos la paz interior y exterior.
Amén.
(5 Padre Nuestro en recuerdo de las 5 llagas del Crucificado).
Dános esperanza en las luchas de la vida otórganos la paz interior y exterior.
Amén.
(5 Padre Nuestro en recuerdo de las 5 llagas del Crucificado).
jueves, 14 de octubre de 2010
EN EL CIELO SE ARMO LA JARANA
El 31 de Octubre se celebra "El Día de la Canción Criolla" y en el cielo San Pedro con la Virgen María han armado el alboroto... han juntado a nuestra Chabuca con Pinglo y Mario Cavagnaro para armar la jarana... "Pero Regresa..." cantan en coro y convencen así a la "Morena de Oro", Lucha Reyes, para que agarre el micro y deleite a todos con su voz sin igual. "Son tus risas cristalinas, cual un coro de ocarinas..." empieza a entonar Lucha Reyes y con ello logra que nuestra "Soberana", Eloísa Angulo, se haga presente para deleitarlos también con su voz maravillosa.
"Guitarra llama a cajón,... cajón a la voz primera... Escuchen con atención... ¡Aquí está la Marinera!...", se escucha de entre la gente y es la voz de Don Nicomedes Santa Cruz quien pide una demostración de nuestra marinera para dar inicio a la fiesta.
Se forma un círculo entre la gente y es para hacer espacio a San Martín de Porres quien pañuelo en mano está zapateando ya con Santa Rosa de Lima al compás de una marinera limeña.
"¡Un momentito!", grita Don Manuel "Chato" Raygada... "no pueden empezar una celebración peruana sin mí, ya que... Tengo el orgullo de ser peruano y soy feliz, de haber nacido en esta hermosa tierra del sol, donde el indómito Inca, prefiriendo morir, dejó a mi raza la gran herencia de su valor...", y se sumó a la jarana.
Retumban los cajones, lloran las guitarras y todos junto a Chabuca ya estan entonando "Del puente a la alameda menudo pie la lleva por la vereda que se estremece, al ritmo de su cadera… recogía la risa de la brisa del río y al viento la lanzaba, del puente a la alameda…".
"En la jarana somos señores, hacemos flores con el cajón, y si se trata de dar trompadas, también tenemos disposición...", se acercan cantando los muchachos de "La Palizada" quienes no podían perderse la jarana.
Doña Flora Tristán y Doña María Reiche sacan a bailar a Don Antonio Raymondi, no nacieron en Perú, pero su corazón es más peruano que el pisco y el "Cóndor Pasa".
"Todos vuelven a la tierra en que nacieron, al embrujo incomparable de su sol, todos vuelven al rincón donde vivieron, donde acaso floreció más de un amor...", canta Don César Miró... y un nuevo integrante se les sumo, cuando llego Arturo " El Zambo" Cavero a tremen jaranon, con su Contigo Peru escarapelo la piel del mismo hijo de Dios, es que todos desde la lejanía, con el corazón y el pensamiento, volvieron a cantarle a la tierra de sus amores, sobre todo en esta fecha tan especial en que se celebra "El Día de la Canción Criolla".
Dario Mejia
miércoles, 13 de octubre de 2010
viernes, 8 de octubre de 2010
jueves, 7 de octubre de 2010
Gracias por todo Arturo Zambo Cavero
El "Zambo" Cavero es considerado por muchos peruanos como un símbolo de la identidad peruana o más propiamente de la misma peruanidad por el peculiar tono de su voz y su manera muy particular de interpretar la música criolla.
Como resultado de su larga y prolífica trayectoria profesional, Cavero supo ganarse el cariño y la admiración del pueblo peruano.
Algunas de sus mejores interpretaciones fueron compuestas por el compositor peruano Augusto Polo Campos, todas interpretadas formando duo con el guitarrista Óscar Avilés. Cavero cantaba pero también durante mucho tiempo fue ejecutante del cajón, el cual dejó de tocar cuando su obesidad lo impidió.
El 3 de junio de 1987, bajo gestiones del entonces Presidente del Perú, Dr. Alan García, Aturo Cavero fue laureado conjuntamente con otros cuatro artistas peruanos (Luis Abanto Morales, Jesús Vásquez, Óscar Avilés y Augusto Polo Campos) en Washington D. C. por la Organización de los Estados Americanos (OEA), entidad que honró sus méritos por contribuir para que la música peruana establezca la sólida presencia que ostenta en el continente americano y en el resto del mundo.
En enero del 2009, el “Zambo Cavero” vuelve a los estudios de grabación para grabar un dueto del tema “Bandida" junto al artista criollo Kike Bracamonte, que radica en España, con la producción de más de 3 mil copias.
El 5 de octubre de 2009, Cavero ingresó a la Unidad de Cuidados Intensivos del Hospital Edgardo Rebagliati Martins en el distrito de Jesús María, en Lima, aquejado por una septicemia a causa de la obesidad mórbida que padecía. Sus compañeros del medio artístico y hasta el presidente Alan García lo visitaron por la gravedad de su estado. El 'Zambo' Cavero falleció cuatro días después, el 9 de octubre, aproximadamente a las 12:55 pm (hora peruana).
El día domingo 11 de octubre, día de su entierro y previo a este, se le oficia una misa de cuerpo presente en la Iglesia de las Nazarenas, el hogar del Señor de los Milagros que estaba a sus pies y para la ocasion las Andas estaban desprovistas de flores y Luego en el patio de Palacio de Gobierno, el Presidente Alan García lo distinguió póstumamente con la Orden del Sol en grado de Gran Cruz, máxima distinción otorgada por el Gobierno del Perú.
Como resultado de su larga y prolífica trayectoria profesional, Cavero supo ganarse el cariño y la admiración del pueblo peruano.
Algunas de sus mejores interpretaciones fueron compuestas por el compositor peruano Augusto Polo Campos, todas interpretadas formando duo con el guitarrista Óscar Avilés. Cavero cantaba pero también durante mucho tiempo fue ejecutante del cajón, el cual dejó de tocar cuando su obesidad lo impidió.
El 3 de junio de 1987, bajo gestiones del entonces Presidente del Perú, Dr. Alan García, Aturo Cavero fue laureado conjuntamente con otros cuatro artistas peruanos (Luis Abanto Morales, Jesús Vásquez, Óscar Avilés y Augusto Polo Campos) en Washington D. C. por la Organización de los Estados Americanos (OEA), entidad que honró sus méritos por contribuir para que la música peruana establezca la sólida presencia que ostenta en el continente americano y en el resto del mundo.
En enero del 2009, el “Zambo Cavero” vuelve a los estudios de grabación para grabar un dueto del tema “Bandida" junto al artista criollo Kike Bracamonte, que radica en España, con la producción de más de 3 mil copias.
El 5 de octubre de 2009, Cavero ingresó a la Unidad de Cuidados Intensivos del Hospital Edgardo Rebagliati Martins en el distrito de Jesús María, en Lima, aquejado por una septicemia a causa de la obesidad mórbida que padecía. Sus compañeros del medio artístico y hasta el presidente Alan García lo visitaron por la gravedad de su estado. El 'Zambo' Cavero falleció cuatro días después, el 9 de octubre, aproximadamente a las 12:55 pm (hora peruana).
El día domingo 11 de octubre, día de su entierro y previo a este, se le oficia una misa de cuerpo presente en la Iglesia de las Nazarenas, el hogar del Señor de los Milagros que estaba a sus pies y para la ocasion las Andas estaban desprovistas de flores y Luego en el patio de Palacio de Gobierno, el Presidente Alan García lo distinguió póstumamente con la Orden del Sol en grado de Gran Cruz, máxima distinción otorgada por el Gobierno del Perú.
F L U X trailer
Koman ilhan Hulda festival, un viaje en el arte y la ciencia exposición
Ayvansaray Caddesi No: 33 Balat - Estambul
Septiembre 22-octubre 31
video y diseño de sonido por Candas Sisman
con el apoyo de: Platón Meslek Yuksekokulu
csismn.com
PlatoSanat.com
huldafestival.org
Un corto de animación inspirado en las obras de Koman İlhan
Platón Espacio de Arte se complace en presentar vídeo Candas Sisman dedicado al famoso escultor İlhan Koman producido para la exposición İlhan Koman: Nieve Festival, un viaje al arte y la apertura de la Ciencia el 22 de septiembre de 2010.
enfoque de diseño único İlhan Koman en sus estudios de forma también inspira las obras de arte contemporáneo. El flujo de instalación de vídeo del joven artista Candas Sisman se puede definir como una animación digital que se inspira en las características estructurales de algunos de İlhan Koman de obras como Pi, Moebius 3D, Whirlpool y hasta el infinito ... Un círculo rojo, de color, en referencia a los radiadores rojo de ogro, se traza en una transformación morfológica que re-interpreta el planteamiento formal de las obras de Koman. El movimiento continuo veces connota las características formales de Pi, Moebius 3D, Whirlpool y hasta el infinito ..., así como las interpretaciones originales formal de los principios de diseño de las obras. En Flux, Koman proceso de diseño en la fabricación de la serie de Pi se ha tratado como el surgimiento de una esfera de un círculo en dos dimensiones por el principio de aumentar la superficie, y esa dirección simple es reinterpretado en el medio digital. Gracias a esto, en la animación digital de una serie de forma completamente diferente que no se parece a Pi aún queda su principio de diseño se puede seguir a través del flujo de un círculo de la esfera. Como una actitud consciente del artista, este trabajo no está diseñado en una analogía visual directo con las obras de Koman. En la animación, ninguno de los momentos de la mirada como forma de transformación de Moebius Pi o 3D, sin embargo la lectura subjetiva de enfoque Koman se puede observar.
Con la integración de los sonidos de diversos materiales - que Koman utilizados en sus esculturas - flujo se convierte en una experiencia espacial impresionante. Flujo, también es un ejemplo de que el trabajo Koman puede ser re-interpretado por el análisis y la manipulación de la forma en el medio digital.
Octubre mes morado - Mes de tradiciones en el Peru
Multitudes de todas las razas y condiciones sociales se unen bajo una sola creencia y una sola fe alrededor del Cristo Morado en esta tradicional procesión del Señor de los Milagros.
Turrón de Doña Pepa
Pero ¿quién tuvo la magistral idea de inventar este popular dulce?
Fue una mujer que vivía en un fundo algodonero, en el Valle de Cañete de nombre Josefa Marmanillo, pero a quien la mayoría conocía con el apelativo de Doña Pepa.
Ella sufría de una parálisis que la había condenado a no mover ni juntar los brazos y manos por lo que pasó a ser esclava liberta.
A pesar de todo el sufrimiento que padecía, tenía dentro de ella una extraña fuerza interior que la impulsaba a tener esperanzas de curarse algún día de sus males. Cuando se enteró acerca de los milagros que hacía la imagen del Cristo de Pachacamilla no lo pensó dos veces y se embarcó a Lima con el fin de acompañar a la procesión que año tras año convocaba cada vez a un mayor número de feligreses.
Tanta era su fé, que el milagro ocurrió en el instante en que ella se encontraba arrodillada orando e implorando ayuda al Señor. Sintió de pronto un leve dolor en el pecho, al mismo tiempo que sus manos comenzaron a moverse hasta que al fin pudo juntarlas. Josefa cayó al pavimento llena de alegría y gratitud por el milagro conferido.
A partir de ese instante una poderosa obsesión invadió su ser, tratando de buscar alguna forma de demostrar su agradecimiento al Señor por tan maravillosa obra. El tiempo transcurría sin encontrar cómo canalizar su devoción, hasta que un día en sueños encontró la receta del dulce que más adelante se convertiría en el más tradicional postre del mes de octubre.
Los ingredientes que, según cuentan, empleó en la elaboración del turrón fueron: almíbar de jugo de frutas, yemas de huevo, manteca, harina y anís llevando encima de todo vistosos y coloridos dulces de hechura casera.
Al día siguiente, durante un nuevo recorrido procesional, se le vió acompañando la imagen sagrada en posición erguida, llevando encima de su cabeza una tabla que contenía el sabroso manjar y entonces fue a partir de ese momento que se le conoce a tan popular dulce como el Turrón de Doña Pepa.
Historia del Señor de los Milagros
Jesucristo es venerado en el Perú y especialmente en la cuidad de Lima como "El Señor de los Milagros", "El Cristo Moreno" o "El Cristo de Pachacamilla".
Todo empezó a mediados del siglo XVI, cuando un negrito angoleño que vivía en un barrio de Lima llamado Pachacamilla pintó una sencilla imagen de Cristo en el salón donde se reunía su cofradía.
En el lienzo aparece Jesús Crucificado y sobre la cruz está el Espíritu Santo y Dios Padre. A la derecha del Señor está la Virgen María con su corazón traspasado por un puñal de dolor y a la izquierda del señor está Santa María Magdalena. La pared de adobe donde fue pintada era tosca, de acabado imperfecto y quedaba cerca de una acequia que afectaba sus cimientos. Sin embargo, a pesar de eso y de otras adversidades, la imagen ha perdurado sorprendentemente. El 13 de Noviembre de 1655 un fuerte terremoto estremeció la ciudad de Lima y Callao, causando la caída de muchas iglesias y mansiones. Como era de esperase, el sismo afectó también la zona de Pachacamilla, donde estaba situada la cofradía de los angoleños, pero a pesar de haberse caído gran número de paredes, quedó en pie el muro de abobe donde estaba pintada la imagen del Cristo Crucificado.
Lo mismo sucedió el 10 de Octubre de 1687, cuando un maremoto arrasó con el Callao y parte de Lima y derribó la capilla edificada en honor a la imagen de Cristo, quedando erquida solamente la pared de la imagen dibujada. Estos sucesos originaron la confección de una copia al óleo de la imagen y que, por primera vez, saliera en andas por las calles del barrio de Pachacamilla, estableciéndose a partir de
ese momento que la procesión tuviese lugar los días 18 y 28 de Octubre de cada año.
Las multitudes de todas las razas y condiciones sociales celebran juntas la procesión del Señor de los Milagros, uniéndose a todas las personas bajo el eslabón de una sola creencia, una sola fé, una sola esperanza puesta en el Señor de los Milagros, no sólo en el Perú sino donde quiera que se encuentren comunidades de peruanos.
miércoles, 15 de septiembre de 2010
martes, 14 de septiembre de 2010
Distinto Idiomas, un solo pedido... PAZ
Una bala he preparado para ti
para alcanzarte en mi corazón
Es de piedra, Tallada por presos
Es de plomo, bañada en sangre
Es de hierro, bañada en miel
Es de mineral de hierro tallada
toscamente para que desgarre mejor
Para que sepas lo que es morir de amor.
lunes, 13 de septiembre de 2010
viernes, 10 de septiembre de 2010
lunes, 6 de septiembre de 2010
Muchas gracias por tu AMISTAD
Gracias por todos los momentos
que hemos compartido
momentos llenos de sentimientos
y pensamientos compartidos,
sueños y anhelos,
secretos, risas y lagrimas,
y sobre todo, Amistad.
Cada preciado segundo quedará atesorado
eternamente en mi corazón.
Gracias por dedicarme tiempo
tiempo para demostrar tu preocupación por mi,
tiempo para escuchar mis problemas
y ayudarme a buscarles solución,
y sobre todo,
tiempo para sonreír y demostrame tu afecto.
Gracias por ser lo que eres
una persona maravillosa.
Pude contar contigo
cuando necesitaba en quien confiar
y pedir consejo.
Gracias a ti comencé
a conocerme
e incluso a apreciar lo que soy.
Con mucho cariño para:
Mi Hijita Pechocha
María Milagros Alvarez Santiago.
domingo, 5 de septiembre de 2010
viernes, 3 de septiembre de 2010
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